在2026年初的巴黎，一场名为“Beyond our Horizons”的展览即将拉开帷幕。这不仅仅是一场关于日本与法国手工艺的展示，更是一次深刻的哲学对话。它试图回答一个当代的核心问题：在一个流动的世界里，我们如何安放那些关于“家”的记忆、情感与身份？
通过分析展览的框架与两位核心艺术家的思考，我们发现，答案或许就藏在那些重复的手势、被转化的材料，以及开放的作品意义之中。艺术与手工，在此超越了装饰的范畴，成为了承载个人与集体记忆的移动家园，并指引我们走向一种更具弹性与温度的新生活方式。
一、从物理空间到记忆的“容器”
传统上，“家”是一个由砖瓦和血缘构成的物理空间。然而，当代的思考正在推动这一概念的位移。对于参加展览的艺术家而言，“家”首先与一种深层的状态和记忆相连。
Simone Pheuplin认为，“家”与其说是一个地方，不如说是一种专注与亲密的“状态”。在这个状态里，人们学会倾听材料，也倾听自己。她的创作深深植根于家族与地域的传承，尽管这种传承从未以直白的故事形式出现。
她来自法国孚日山区，那里手工劳作是日常生活的一部分。她作品中重复的折叠与别针动作，并非某种特定的技艺传承，而是一种“感官记忆”的浮现，是那些通过触摸、重复和耐心传递下来的东西的痕迹。因此，对她来说，传承通过“姿态的连续性”和对历史的尊重而延续。她的艺术实践，就是一种让这种记忆保持鲜活的安静方式。
这种将空间视为“记忆容器”的理念，与展览中探讨的东方哲学产生了共鸣。Pheuplin在接触日本文化时，被其将家视为“平衡与克制空间”的方式深深打动。那种对空间、空无与寂静的关注，与她自己的创作理念不谋而合。
她发现，日本文化中一种“对时间与不完美的宁静关系”尤为珍贵：使用的痕迹和材料的不规则性被接受为物品生命的一部分。这种接纳，与她允许材料在创作中自然流露痕迹的做法如出一辙。这揭示了一个共同点：“家”的温馨，不在于陈设的完美无瑕，而在于容纳了生活痕迹与时间印记的“不完美”。
那么，一件具体的艺术作品如何扮演这种“容器”的角色呢？Pheuplin解释道，她的作品就像一个“安静的空间”，让时间和材料沉淀情感与记忆。棉布的每一次折叠和固定，都保留着创作时的专注与感受。她并非要讲述一个具体的故事，而是创造一种形式，为内在的生命体验留出空间，无论是她自己的，还是观者的。
Julian Farade从另一个角度呼应了这一点。他认为自己的作品之所以可能成为情感容器，与他的工作方式密不可分：他独自手工完成一切，不使用机器。在这个过程中，观者可以看到“错误、过失和时间”。这些痕迹，恰恰承载了创作时的情感，如沮丧、喜悦或解脱。因此，手工艺品的价值，部分正来自于其制作过程中凝结的人类时间与情感温度。
展览“Beyond our Horizons”本身，就是这种哲学的空间化呈现。它被设计成一个“沉浸式的旅程”，展示了近三十位日法创作者的作品，其中包含许多与19M旗下工坊合作的新作。
当观众步入这个空间，他们并非进入一个冰冷的陈列馆，而是步入一个由无数记忆容器构成的、扩大的“家”。这里陈列的刺绣陶瓷碗、编织的暖帘、珠饰雕塑，都不是孤立的物品，而是不同文化的时间、手势与情感的凝结物。它们邀请观者进行的，不是消费，而是凝视与对话。
二、传统基因与当代转译
材料是记忆最直接的载体。从日本轻盈的纸和竹，到法国厚重的金属与丝绸，每种材料都自带一部文化史。展览中，日式纸灯笼透出的柔和光影，与法式串珠雕塑的繁复质感并置，直观地诉说着不同的美学语言 。面对这些充满“文化基因”的材料，当代艺术家如何既尊重传统，又进行创新？
Simone Pheuplin的实践给出了清晰的路径。她直言，自己作品的文化身份，核心就在于材料的选择：她坚持使用家乡孚日地区的未脱脂棉花和法国别针。这些材料承载着她的个人记忆与地域传承。然而，她并不被传统束缚。
她认为，传统是“活生生的”，是可以“被转化”的。她的创新，体现在折叠、扭转棉布的新方式上。在创作中，她让材料引导自己，尊重材料自身揭示的可能性。因此，传统对她而言是“基石”，但建筑在其上的，是充满当代感的全新形式。
这种“转化”在与不同工坊的合作中尤为明显。Pheuplin与Goossens工坊的合作是一次突破。她被金属工艺的精湛所吸引，决定走出熟悉的纺织品领域，尝试用锡与她的棉花对话。
她与工坊的工匠一起，仔细分析她赋予棉花的动作，并将其“翻译”到金属上。这次合作不仅催生了新的作品，更为她打开了新的创作方向，让她开始构想更复杂的形态和未来的可能性。在这里，传统技艺不是博物馆里的标本，而是可以在碰撞中迸发新生命的活性因子。
Julian Farade对材料的处理方式则更显直觉与个人化。他坦言，自己选择材料（如天鹅绒或缎子）主要是出于它们带来的视觉愉悦和触感，而非首先考虑其文化内涵。他的雕塑关乎“扭曲、打结和建立联系”，他使用双手能够驾驭的材料。这种看似“去文化基因”的做法，实则从另一个侧面解放了材料。
在与Lesage工坊的合作中，他面对极其珍贵脆弱的布料，学会了“克制”。这种因材料特性而调整的“手势”，本身就是一种深刻的对话，让材料本身的品质（如脆弱性）成为创作的一部分，从而承载了这次独特合作的经验与记忆。
展览策展人提出的主题——“手势和技能……如何增强我们的世界观”——在此得到了完美诠释。Pheuplin与金属工匠的协作，Farade与刺绣工坊的互动，都是不同“手势”系统的碰撞。这些碰撞之所以能激发新方向，正是因为底层有一种共通性：对材料的深切“关注与尊重”。
无论是遵循纪律的重复，还是凭直觉的即兴，当创作者以全然的专注面对材料时，跨文化的对话便有了坚实的基础。传统得以延续，不是因为墨守成规，而是因为在新的语境中被真诚地理解、转化和重组。
三、情感温度与意义的“留白”
当“家”成为记忆的容器，当“技艺”重在创造性转化，我们对“价值”的评判标准也随之改变。一种新的“奢华”观念正在兴起，它不再等同于物质的堆砌与表面的完美，而在于“情感的温度”。
Simone Pheuplin将这种奢华定义为“非物质”的。她认为，一件手工艺品的真正价值，在于工匠投入的时间、对技艺的掌握，以及那使得每件作品都独一无二的“独特触感”。奢华存在于“被传递的姿态”和创作行为本身，存在于作品能够“质疑、持久并留下痕迹”的能力之中。
Julian Farade虽然未直接定义奢华，但他强调作品必须与观者保持“对话”才能“保持鲜活”。这暗示了，作品的“活”力——即其激发情感与思考的能力——是其珍贵之处。这种奢华是内向的、体验式的，关乎亲密感与共鸣，而非外在的炫耀。
为了激发这种共鸣，艺术作品需要“留白”。这里的“留白”，不仅指视觉上的空间，更指意义结构的开放性。Pheuplin的雕塑灵感来源于自然界的形态，如地面裂缝、海沫、树干，但她将其抽象化，创作出单色的作品。
这种方式自然地为观者带来一种“熟悉感”，同时又留出了巨大的空间，供每个人依据自己的情绪、记忆和文化背景进行解读和情感投射。她常常对观众在她作品中看到的、她自己未曾设想的内容感到惊讶。
这让她认识到，作品一旦完成并呈现给世界，便不再完全属于艺术家；艺术家也变成了作品所唤起的情感的“观者”。这种意义的共享与共创，是作品生命力的源泉。
Farade同样认为，观众需要在作品所在的空间中“保持活跃”，能够“触摸、感受，甚至置身其中”。这种对多感官体验和身体参与的强调，是另一种形式的“留白”——它为观者的身体与行动预留了空间。
这与“家学”中“功能灵活性”的概念相通：一个家之所以温馨，是因为它能适应家庭成员成长与变化的需求；一件作品之所以动人，是因为它能容纳不同观者多变的理解与体验。
无论是Pheuplin那引发冥想的抽象褶皱，还是Farade那邀请互动与触摸的材质，它们都拒绝单一、固定的解读，从而获得了在时间长河中持续“活着”的弹性。
四、作为普世语言的技艺
如果“家学”止步于个人的情感寄托，其影响力仍是有限的。“Beyond our Horizons”展览的雄心，正在于将这种哲学的边界，从私人领域推向社区、文化乃至更广阔的人类层面。
19M的总裁指出，展览展示了“传统与创新如何共存并相互促进”。当法国蕾丝与日本金继工艺并列，当孚日棉花与巴黎金属工艺结合时，这种“促进”就产生了跨文化的涟漪。
艺术与手工，在此显现为一种“普世语言”。这种语言不依赖于特定的文字或意识形态，它通过材料、形态和制作手势进行交流，能够绕过许多障碍，直达人类的感知与情感核心。
Simone Pheuplin展望道，当艺术实践从私人工作室走向公共空间，它们可以成为促进社区内部乃至国家之间“理解、尊重与共情”的载体。它们提醒人们以“集体”和“包容”的视角看待我们“持续演变”的世界。
一件由社区共同参与创作的公共装置，一个汇聚了全球不同编织技艺的展览，都在默默讲述同一个故事：我们的差异值得珍惜，我们的记忆可以分享，我们的未来可以通过对话共同编织。
技艺的传承，因此不再只是确保一种技术不失传，更是守护一种理解世界、连接彼此的方式。它塑造着社区和国家的身份，并最终将这种身份融入一个更丰富、更多元的人类遗产之中。
结语：走向一种根植于对话与记忆的生活
通过对“Beyond our Horizons”展览及两位艺术家思想的梳理，我们清晰地看到，“家”的概念在当代艺术与手工的实践中，完成了一次深刻的蜕变。它从物理的居所，演变为内化的记忆与情感状态，并通过艺术品这一“微观载体”得以物化和共享。
传统材料与技艺不再是沉重的包袱，而是可以被理解、对话和创造性转化的“活的基础”，在与异质文化的碰撞中获得新生。由此，奢华的价值被重新锚定在“情感在场”与时间凝聚的亲密感上，而作品意义的“留白”则为持续不断的共鸣提供了空间。
最终，这一切指向一个超越个人的目标：艺术与手工作为一种普世语言，构建着跨越边界的理解，将无数个体的“家”连接成一个更具包容性的精神家园。
“Beyond our Horizons”不仅是一个展览标题，更是一份家学新生活范式的提案。它邀请我们，在充满流动与变迁的时代，通过深耕手艺、尊重材料、拥抱不完美、珍视过程，来构筑自己的精神锚地。
这种生活方式的核心，不是我们拥有什么，而是我们如何创造、如何铭记、如何向他人敞开。当地平线被超越，我们发现的并非虚无，而是在无数同样深邃、温暖、布满时间痕迹的“记忆家园”之间，那片广阔而充满生机的对话原野。
这或许就是艺术与手工，在当下所能给予我们的最珍贵的馈赠：一个可以随身携带、并在交流中不断丰富的“家”。
关于“Beyond our Horizons”
2026年1月29日至4月26日，巴黎奥贝维利耶的19M画廊将迎来“Beyond our Horizons”展览。这场展览源于2025年东京森大厦52层的成功首展，当时吸引了近7.5万名观众。如今，它带着重新构思的展陈设计来到法国，成为日法工匠与设计师创意对话的庆典。
展览由香奈儿旗下的艺术机构19M发起，总裁布鲁诺·帕夫洛夫斯基指出：
这不仅是技艺展示，更是两种文化传承与创新碰撞的实验场。
11家法国艺术工坊与30余位日法创作者联手，通过装置、织物、陶瓷等媒介，探讨”传统技艺如何重塑当代视野”这一主题。策展团队由五位跨领域专家组成，他们以”手势的诗歌”为线索，将展览设计成沉浸式旅程。
艺廊网也很荣幸受邀展开此次跨文化对话，希望借助喜可贺©️“中华家学新生活”求得新解——如我们在“从老洋房到农宅里新人文范式的三个支点”提到的：
空间作为记忆的容器、功能上的适度留白，以及对“奢华”的重新定义——它无关物质的堆砌，而在于情感的温度与时间的沉淀。
敬请留意艺廊采访：《跨文化对话中的“家学”新解——致“Beyond our Horizons”参展艺术家》。
本篇结合AI生成，仅供参考。所有图片由 19M 提供，经许可共享
