摄影不仅是记录现实的工具，更是艺术家表达思想、探索世界的媒介。从弗洛·福克斯的街头疗愈到曼·雷的光影革命，再到薇薇安·迈尔的隐秘诗篇，我们用简洁有力的笔触串联起大师们的创作灵魂。
十位摄影大师以独特的视角和技巧，在不同时代与领域留下了深刻印记。以下按生卒年月排序，他们的语录与创作共同勾勒出摄影艺术的多元面貌。
1. 曼·雷（1890-1976）
最后，我挣脱黏腻的颜料，以光为笔。
曼·雷是20世纪前卫艺术的代表人物，活跃于达达主义与超现实主义运动。他最初从事绘画，但很快转向摄影，探索光的无限可能。1922年，他发明了“雷氏摄影”（Rayograph），将物体直接置于感光纸上曝光，创造出抽象而梦幻的图像。此外，他与李·米勒共同完善了“中途曝光”技术，使照片呈现负片与正片交融的效果。
他的作品模糊了艺术与技术的界限。2022年，其代表作《安格尔的小提琴》以1240万美元成交，成为史上最贵的摄影作品之一。曼·雷的创作至今仍影响当代视觉艺术，其作品被盖蒂博物馆、大都会艺术博物馆等机构收藏。
© Man Ray, Juliet au chapeau de soleil, 1943. Courtesy of Gagosian
2. 欧文·佩恩（1917-2009）
很多时候，表象背后的东西是罕见的，而且比主体所知道或敢于相信的更为精彩。
佩恩是20世纪最具影响力的摄影师之一，以时尚、肖像与静物闻名。他为《Vogue》工作数十年，拍摄过达利、毕加索、杜尚等文化名人。他的肖像黑白分明，构图严谨，布光细腻，力求捕捉人物内在的复杂性。
1960年代，他复兴铂钯印刷工艺，提升作品的质感。1970年代，他转向拍摄城市垃圾，如烟蒂与腐烂水果，赋予被忽视之物以美学价值。佩恩的作品弥合了商业与艺术的鸿沟，至今仍是摄影史上的标杆。
©️Irving Penn, Still Life with Watermelon, New York, 1947. Courtesy of Thaddaeus Ropac.
3. 恩斯特·哈斯（1921-1986）
我希望通过纯粹而专注的观察，让图像自建，而非拍摄。无需说明，图像便会自言——少一些描述，多一些创意；少一些信息，多一些暗示——少一些散文，多一些诗歌。
哈斯是彩色摄影的先驱，擅长以动态模糊、选择性对焦等技巧赋予照片绘画般的质感。1947年，他拍摄的《归来的战俘》被《Heute》杂志刊登，随后受罗伯特·卡帕邀请加入马格南图片社。1951年，他在《生活》杂志发表24页的《纽约影像》，以霓虹、雾气与玻璃幕墙展现都市的喧嚣与诗意。
他的作品介于纪实与抒情之间，摒弃直白描述，转而通过色彩与光影传递情绪。评论家称他“用相机绘画”，而他的创作也推动了摄影从工具升华为艺术。
©Ernst Haas, New York, 1952. Courtesy of Ernst Haas Estate
4. 薇薇安·迈尔（1926-2009）
如果你真的有话要说，那最好站在镜头后面而不是前面。
迈尔生前是默默无闻的家庭保姆，直到2007年她的底片被偶然发现，才被誉为街头摄影的天才。她使用禄莱福莱相机，捕捉芝加哥与纽约的市井百态，画面充满戏剧性与人性洞察。她的自拍像冷静疏离，仿佛与未来观众对话。
她的作品兼具纪实性与艺术性，构图精准，光影层次丰富。尽管从未公开发表，她的影像如今被广泛展出，成为摄影史上的传奇。
©︎ Vivian Maier, May 5, 1955. New York, NY. Courtesy of The Maloof Collection.
5. 弗洛·福克斯（1945-2025）
我每时每刻都带着相机，它是我的良药，让我享受快乐，也让我迎接挑战。
福克斯是街头摄影与社会纪录的重要人物。自1972年起，她以讽刺视角记录纽约的城市生活，作品发表于《纽约杂志》《生活》等刊物，并被布鲁克林博物馆收藏。她的代表作《Asphalt Gardens》（1981）和“Up in Smoke”系列（1994）分别探讨城市景观与香烟涨价的社会影响。
作为残疾人权益倡导者，她1979年为盲人开设摄影课，并拍摄无障碍设施缺失的现状以推动变革。她的创作融合艺术与社会关怀，展现了单身女性艺术家在纽约的坚韧与创造力。
© Flo Fox, Trying Their Wings, 1984. © 2020-2023 LSI
6. 杰夫·沃尔（b.1946）
你可以说我像电影导演，但我的电影只有一帧。
沃尔是置景摄影的先驱，作品常借鉴绘画与电影。他通过数码合成与灯光布景，重构日常瞬间或历史名画，如《一阵风》（1993）致敬葛饰北斋。他的“近纪实”理念强调精确重建记忆，画面充满戏剧张力。
他的巨幅灯箱作品模糊真实与虚构，探讨图像的本质。沃尔的理论与实践，推动了摄影作为独立艺术媒介的认可。
©︎ Jeff Wall, A Sudden Gust of Wind (after Hokusai), 1993. Courtesy of the artist.
7. 大卫·林奇（1946-2025）
这个世界可能是一个令人恐惧与和困惑的地方，但它也充满了奇异而美丽的时刻。
林奇以电影《蓝丝绒》《双峰》闻名，其摄影同样展现超现实美学。他痴迷工业废墟，2014年出版《工厂》，拍摄管道、机械与阴影，揭示腐朽中的诗意。他的图像如梦境般神秘，与电影风格一脉相承。
2019年获奥斯卡终身成就奖，2025年逝世。他的创作始终探索黑暗与美丽的并存，成为流行文化的标志。
©️David Lynch, Untitled, England, late 1980s-early 1990s. Courtesy of The Photographer’s Gallery
8. 斯蒂芬·肖尔（b.1947）
摄影和钓鱼一样，都是一门需要智慧、专注和细腻的艺术。
肖尔是“新彩色摄影”的代表人物。14岁时，他的作品被MoMA收藏；17岁为安迪·沃霍尔拍摄工厂生活。1970年代，他自驾穿越美国，创作《美国表象》与《不寻常之地》，以平淡视角记录日常场景，颠覆传统纪实摄影的宏大叙事。
他的色彩运用冷静而精确，画面看似随意却暗含秩序。1982年起，他执教于巴德学院，并出版《照片的本质》等理论著作，影响了几代摄影师。
© Stephen Shore, U.S. 97, South of Klamath Falls, Oregon, July 21, 1973. Courtesy of 303gallery
9. 南·戈尔丁（b.1953）
我的作品一直在记录我的人生，一个无人能够篡改的记录。
戈尔丁以私密而直白的摄影闻名。她的《性依赖的叙事》（1986）以700张幻灯片展现LGBT群体的生活，直面暴力、欢愉与死亡。她拒绝摆拍，用闪光灯强化瞬间的真实感，与辛迪·舍曼等观念摄影师形成对比。
她还是社会活动家，1980年代参与艾滋病抗争，2017年起反对阿片类药物危机。她的作品既是个人日记，也是时代见证，被收录于奥斯卡提名纪录片《所有的美丽与血泪》（2022）。
© Nan Goldin, C.Z. and Max on the Beach, Truro, Massachusetts, 1976. Courtesy of the artist, MoMA & Gagosian
10. 托马斯·斯特鲁斯（b.1954）
我想把照片变得复杂与细致，以至于你可以一直看下去，却永远无法看清一切。
斯特鲁斯是杜塞尔多夫学派的核心成员，师从贝歇夫妇。他的城市景观、博物馆与森林摄影以冷静的客观性著称。1989年的“博物馆摄影”系列捕捉观众与艺术品的互动，探讨观看的本质；1996年“天堂”系列则呈现原始森林的混沌与秩序。
他的作品细节丰富，如交响乐般和谐，引发对文明与自然的反思。其创作始终围绕一个主题：人类如何与空间共存。
© Thomas Struth, Boats at Wushan, Yangtse River, 1997. Courtesy of the artist, Marian Goodman Gallery, Tate & MoMA
结语
从曼·雷的光影实验到南·戈尔丁的私人日记，这些摄影师以镜头为笔，书写了视觉艺术的丰富篇章。他们的语录不仅是创作宣言，更揭示了摄影的本质——观察世界，也反思自我。无论是街头纪实还是精心置景，他们的作品共同证明：摄影不仅是记录，更是理解与表达的方式。
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来源：影像上海艺术博览会，本篇结合生成式 AI 做出的核心摘要和解答，仅作为参考，请以原文为准。
