艺术与手工，在此超越了装饰的范畴，成为了承载个人与集体记忆的移动家园，并指引我们走向一种更具弹性与温度的新生活方式，在《在地平线之外：当艺术与手工成为记忆的家园 I》中告诉我们。
艺廊网也很荣幸受邀展开此次跨文化对话，希望借助喜可贺©️“中华家学新生活”求得新解——如我们在“从老洋房到农宅里新人文范式的三个支点”提到的：
空间作为记忆的容器、功能上的适度留白，以及对“奢华”的重新定义——它无关物质的堆砌，而在于情感的温度与时间的沉淀。
通过下面四个部分搭建一座沟通的桥梁，连接东方“家学”的人文内涵与日法当代工艺。它将引导艺术家们从自身的创作实践出发，反思“家”作为文化记忆与情感载体的普世价值，并探讨不同文化背景下，传统、技艺与生活美学的融合之道。
以下对话来自艺廊网主编Alan Huang与参展艺术家Simone Pheuplin、Julian Farade。
第一部分：创作根源与文化身份
Alan Huang：在您的创作中，“家”或“传承”是否扮演着某种角色？您如何理解个人记忆与家族技艺在您艺术语言中的体现？
Simone Pheuplin：是的，非常深刻。家与传承的概念与我的工作密不可分，尽管它们从未以字面或叙事的方式出现。我出生在孚日山区，在一个乡村环境中长大，在那里，动手劳作是日常生活的一部分。手工艺不被视为一个独立的领域，而是一种显而易见的、自然的与世界相处的方式。这些通常在沉默中观察到的姿态，深刻地塑造了我与材料和时间的关系。
我的作品滋养于一种主要是感官的记忆形式。它不是要讲述一个个人故事，而是为了让那些通过触摸、重复和耐心所传递下来的东西浮现出来。我所使用的棉花，以及折叠和别针的重复动作，都承载着这种家庭与家族传承的痕迹，在那里时间具有不同的价值，手拥有自己的智慧。
对我来说，家与其说是一个地方，不如说是一种状态：一个亲密与专注的空间，在那里人们学会倾听材料，也倾听自己。传承通过这种姿态的连续性，通过对先于我们之物的尊重而延续。我将我的实践视为一种让这种记忆保持鲜活的安静方式，不是将其固定，而是允许它演变、转化，并在当下找到自己的表达。
Julian Farade：确实，“传承”和“家”的概念确实扮演着某种角色，但更多是以一种潜意识的方式。我尝试运用一种自动的语言进行创作，其中每个符号都传达一种意义。例如，“家”可以代表“母亲”，或是一种安全感。
对我而言，个人记忆是一种内在的学习方式。我的意思是，所有的孩子都通过模仿和复制来学习行动。我童年时，母亲做了很多手工艺，在某种程度上，我的眼睛习惯了手工劳作。这就是为什么今天我能够不假思索地完成它。它已经变得像呼吸一样自然，我常常忘记自己正在呼吸。个人记忆和家族技艺，也是如此。
Alan Huang：“Beyond our Horizons”展览的核心是日法创意场景之间的对话。在这次跨文化合作中，您是否发现了对方文化中与“家学”精神相似的价值观或美学追求？
Simone Pheuplin：在日本文化中，特别打动我的是家被构想为一个平衡与克制的空间的方式，在那里每个元素都各得其所，没有过度。这不是关于填满空间，而是允许它呼吸。这种对空间、对空无与寂静的关注，与我自己工作的方式以及我将家视为一个平静与内心专注之地的愿景产生了深刻的共鸣。
我也被那种对时间与不完美的宁静关系所触动。使用的痕迹和材料的不规则性不被隐藏，而是被接受为物品与空间生命的一部分。这种对不完美的平和接受，与我的实践非常相似，在那里我允许材料遵循自己的路径，而不试图纠正或支配它所揭示的东西。
最后，自然那种低调却无处不在的存在让我感觉非常重要。室内与室外、生活空间与景观之间的连续性，创造了一种和谐与平静的感觉。同样地，我的工作也总是受到自然节奏、缓慢以及对转变的细心观察的引导。
Julian Farade：当然。我早已了解“金继”（kintsugi）——日本修复陶瓷的方法，以及“烧杉”（yakisugi）：通过燃烧木材表面，使其免于火灾和时间的侵蚀。在我成长的地方，许多物品都具有情感价值。这两种关于物品、时间和记忆的呵护理念，无疑为创作提供了机会。
第二部分：技艺、材料与情感载体
Alan Huang：您在展览中的作品（例如与Atelier Montex合作的刺绣陶瓷碗，或与Lesage合作的刺绣障子）如何成为承载情感与记忆的“容器”？
Simone Pheuplin：我的作品作为一个安静的空间，在那里时间和材料让情感与记忆得以沉淀。我所折叠和别住的棉布条不仅仅是材料，它们成为重复姿态、专注时刻、耐心和反思的容器。每一次折叠和张力都保留着所经历和感受的敏感痕迹。我的目的不是描绘特定的情感或记忆，而是创造一种为内在生命留出空间的形式，既为我自己，也为观者。
我与Goossens工坊的合作让我设计了一件作品，其中来自我家乡孚日地区的棉花首次与锡相互作用。这种材料之间的相遇，以无声的记忆和重复的姿态丰富了作品，同时给予观者投射自己情感与记忆的可能性。因此，材料成为一种无声的语言，一个欢迎而不评判的空间，在那里不完美与脆弱见证了时间的流逝。
Julian Farade：我希望它们是。至于“如何”，这是一个很难回答的问题。我认为这与我的工作方式有关。我独自工作，一切都是手工完成，不使用机器。通过这种方式，我想你可以看到错误、过失和时间。
对我来说，这些概念承载着情感——例如沮丧、喜悦或解脱——和记忆。
Alan Huang：中国的“家学新生活”理念强调“空间应是记忆的容器”。在您看来，一件手工艺品或一个艺术装置，能否在更宏大的空间叙事中，扮演类似的角色，成为家族或文化记忆的微缩载体？
Simone Pheuplin：是的，当然可以，即使在一个更大的空间里也是如此。一件物品的价值不在于其美学，因为美是主观的，而在于它所获得的时间和关注，在于它所承载的历史。一张古董桌、一件纺织品、一个花瓶或一件雕塑，可以唤起传统、过去的习俗和生活方式，从而将家族或文化记忆的片段铭刻在空间中。
通过将这些物品迎入一个空间，我们创造了共振点，让过去与现在对话。它们成为历史的微缩载体，邀请人们沉思、回忆和传承。空间，通过容纳它们，被转变为一个鲜活的记忆领地，能够连接世代，唤醒对先于我们之物的敏感。
Julian Farade：当然！我也认为人们需要在这个空间中保持活跃。我的意思是，他们应该能够触摸、感受，甚至置身其中。它必须是一场对话，才能保持鲜活。
Alan Huang：从日本的纸灯笼到法国的珠饰雕塑，材料本身往往蕴含着文化基因。在选择和运用材料时，您如何平衡其传统意涵与当代创新的表达？
Simone Pheuplin：非常明显，正是在材料的选择上：我家乡孚日的棉花，我的作品的大部分文化和甚至个人身份都源于此。这种棉花承载着我的记忆、我的土地和我的传承。但“文化基因”并不局限于材料本身：它也通过别针的动作表达出来。通过雕塑纺织品，我重复着一个传承给我的古老姿态，一个体现了无形工艺的姿态，一种耐心和细心关注的工艺。
与此同时，创新出现在我折叠、扭转和别住棉花的方式中。我不寻求抹去材料的记忆，而是扩展它，使其通过时间和空间产生共鸣。在这个创作过程中，我让材料引导我：我不与它对抗；棉花勾勒出形态，决定着节奏，并揭示其可能性。
我就是这样将我的当代视野融入这份传承和珍贵工艺中的。每一根棉布条因此成为一场对话，介于它曾经是什么和它今天可以成为什么之间，一个传统与当代创作在微妙而鲜活的平衡中共存的空间。
Julian Farade：我尝试与它们合作，如果可以这么说的话，在侧面赋予意义。对我来说，雕塑是关于扭曲、打结和建立联系。我使用我的双手能够处理的材料。我不太考虑文化的“基因”。我选择一种材料是因为它带给我的愉悦，它对眼睛产生的影响，例如天鹅绒或缎子。
第三部分：对话、融合与新生
Alan Huang：展览策展人之一提到，主题是“手势和技能……如何增强我们的世界观”。在与19M的工匠合作时，哪些“手势”或“技能”的碰撞最让您感到惊喜，并激发了新的创作方向？
Simone Pheuplin：多亏了这次展览，我有幸参观了19M的几家工坊，每一家都承载着独特的手艺。与Goossens工坊的相遇是决定性的：我立刻被他们对金属工艺的精湛掌握所吸引和惊讶。这一发现让我产生了走出纺织品领域，探索一种新材料的愿望，一种在我的实践中意想不到的材料。
与Goossens工坊的车间经理Nathalie Abscheidt的会面同样意义重大。她已经熟悉我的作品，我们之间立刻建立起自然的对话。这个四手联弹的项目真正源于一次相遇和一见倾心。
我们一起仔细分析了我赋予棉花的动作，以便将其转化并适应到金属中。这次手势与技能的碰撞开辟了新的创作方向，让我能够想象更复杂的褶皱，探索新技术，并考虑未来的合作。
Julian Farade：在与Lesage的这次合作中，我发现了材料的脆弱性。给我用来工作的布料非常珍贵，我可以把手放在上面，但需要克制。
Alan Huang：“家学新生活”理念中有一个重要支点是“功能需留白”，赋予空间适应家族变化的弹性。您的艺术作品是否也追求某种“留白”，为观者的个人解读和情感投射预留空间？
Simone Pheuplin：我的雕塑灵感来源于我周围的形式：地面或建筑立面的裂缝、海上的泡沫、孚日森林中的树干，以及其他许多。我从中汲取灵感，但从不复制，创作出处于抽象边缘的单色作品。这自然地为观者唤起一种熟悉感，同时为个人解读和情感投射留出充足空间。
我常常对参观者的反应感到惊讶——他们在我作品中感知到的那些我从未想象过的东西。一旦一件作品被创作出来并呈现给世界，它就不再仅仅属于艺术家；我们，反过来，成为它所唤醒的情感的观者。
Julian Farade：是的，我希望如此！这就是为什么我使用一种具有普遍意义的符号语义（鸟、鳄鱼、房子、梯子、椅子、房屋）进行创作，这样如果你花时间去看它们，你就可以投射自己并创造一个属于自己的世界。显然，我是为自己而创作，但其中仍然有一种交流、让人感受的渴望。为此，我认为需要有一种透明感。我把符号当作入口。观者如果愿意，也可以这样做。
Alan Huang：19M总裁指出，展览展示了“传统与创新如何共存并相互促进”。在您的合作作品中，您是如何处理“传统”这一元素的——是将其作为基石，还是作为可以被解构和重组的素材？
Simone Pheuplin：纺织艺术是一种非常古老的实践，而我刻意使用深深植根于传统的材料：来自孚日的未脱脂棉花和法国别针。因此，传统是我工作的核心。然而，我的方法正是从这一传统出发，以创造全新的东西。通过不断探索新技术、创造新的褶皱以及与其他艺术家和工匠合作，来保存和提升它。这是一个我持续了五十多年的创作过程。
Julian Farade：我将传统视为一个起点。我围绕它进行创作，并尊重它。我不把它看作基石。
第四部分：普世价值与未来展望
Alan Huang：“家学新生活”重新定义了“奢华”，认为它在于情感的温度而非物质的冰冷。在您看来，一件融合了精湛技艺与深厚情感的工艺品，其“奢华”之处体现在哪里？
Simone Pheuplin：一件手工艺品的真正奢华在于工匠为其投入的时间，在于对其技艺的掌握、其姿态的精确性以及使其每件作品都独一无二的独特触感。这种奢华是非物质的：它存在于被传递的姿态中，存在于制作行为中，存在于作品质疑、持久并留下永恒痕迹的能力中。
Julian Farade：这是个难题。奢华对我来说是一个开放的概念。我认为你必须定义“为什么”，如果这个“为什么”找到了它自己的答案，那么价值就本质而言是存在的。
Alan Huang：展览旨在“超越边界和地平线”。如果将“家学”的边界从家庭扩展到社区乃至国家，您认为艺术与手工在促进这种更广泛的文化理解与传承方面，可以发挥怎样的作用？
Simone Pheuplin：艺术与手工构成了一种普世语言。在所有文化中，例如纺织艺术都占据着核心地位：材料、技术和用途各不相同，但它们共同构成了一个极其丰富的世界遗产。这实际上正是19M画廊此次展览的全部主题。技艺与姿态被传承，文化随着时间的推移相互影响。这种传承在保存传统的同时，也让其得以演变。因此，艺术与手工是鲜活的遗产，它塑造着一个社区或一个国家的身份，并远远传播到边界之外。
Julian Farade：它可以将人们聚集在一起，围绕一个共同的项目团结起来——一个更温暖、联系更紧密的世界。
关于“Beyond our Horizons”
2026年1月29日至4月26日，巴黎奥贝维利耶的19M画廊将迎来“Beyond our Horizons”展览。这场展览源于2025年东京森大厦52层的成功首展，当时吸引了近7.5万名观众。如今，它带着重新构思的展陈设计来到法国，成为日法工匠与设计师创意对话的庆典。
展览由香奈儿旗下的艺术机构19M发起，总裁布鲁诺·帕夫洛夫斯基指出：
这不仅是技艺展示，更是两种文化传承与创新碰撞的实验场。
11家法国艺术工坊与30余位日法创作者联手，通过装置、织物、陶瓷等媒介，探讨”传统技艺如何重塑当代视野”这一主题。策展团队由五位跨领域专家组成，他们以”手势的诗歌”为线索，将展览设计成沉浸式旅程。
敬请留意《在地平线之外：当艺术与手工成为记忆的家园 II》。
关于喜可贺©️
喜可贺©️作为疗愈家居的开创者，发起“中华家学新生活”，根植于中华文化沃土，重溯家学渊源，营造新人文范式。品牌由黄荣楠先生主理，曾荣获联合国教科文组织“设计之都”形象标识全球公开征集优秀作品奖（仅设三席，大奖空缺）。
首次推出的久久旺福全家筒年礼，即荣幸获邀参加由上海文学艺术界联合会主办的春“艺”盎然——2018上海春节文艺嘉年华的“年味展”。
用沿袭两百多年来的民间木刻版年画“福禄寿喜”，以祝福、昌荣、长寿、安康的吉祥寓意，描绘出万千百姓心中的新年祈盼和情感凝聚的年味习俗。
